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【影视周评】吸血鬼相关(129楼更新）：暮光之城系列、夜访吸血鬼、惊情400年 Etc
首先呢，转篇《环球银幕》的文章
本文全文原载于《环球银幕》2009年2月刊
吸血鬼进化论Vampire Evolution
在2008年，有两部特别的吸血鬼电影很值得关注：一部是热烈、热情、热闹，热票房(3700万预算，收入了1.8亿美元)的《暮光之城》；另一部是瑞典电影《生人勿进》，冷静、冷冽，冷不丁就得到了非常高的评价(IMDB目前8.3分)。两部影片是两个极端，却为我们勾勒出了吸血鬼题材的变化发展规律。再看看美剧中，自《吸血鬼猎人巴菲》之后，《血之羁绊》(Blood Ties)、《血色月光》(Moonlight)、《真爱如血》(True Blood)，再加上时不时冒出个吸血鬼故事的《邪恶力量》(Supernatural)，吸血鬼题材虽不够大热，但也算风靡了。
今年上映的吸血鬼电影还有《黑夜传说3》(Underworld： Rise of the Lycans)、《恶魔城》Castlevania，有可能会延后到2011年)、根据日本漫画TV改编的《最后一个吸血鬼》(Blood： The Last Vampire)、根据著名小说改编的《向达伦大冒险》(Cirque du Freak，又名《奇趣马戏团》，)以及《暮光之城》的续集《新月》(New Moon)等。
不死的青春——吸血鬼电影进化论
《暮光之城》的成功让好莱坞掘到了一块把奇幻、异色，吸血鬼题材和青春偶像剧结合起来的新宝地。虽然当今的的吸血鬼影片还是咬脖子、男吸血鬼爱上女人、阳光与黑夜之间的影子那一套，但与传统相比，理念其实已经完全不不同了。上世纪20到50年代，最早的吸血鬼电影基本都是恐怖片怪兽片的套路——哥特风格、强烈的舞台剧感觉、性暗示、苍白瘦削的德库拉伯爵……除了1921年第一部吸血鬼电影《德库拉》以及茂瑙1922年的名作《诺斯费拉图》之外，这段时期最有名的吸血鬼电影几乎都出自英国汉默电影公司(Hammer)之手，吸血伯爵一角基本上都由克里斯托弗？李包办。总的说来，这段时期的吸血鬼电影就是典型的B级恐怖片，以风格取胜。
《天师捉妖》剧照
六七十年代美国自由风潮兴起，吸血鬼电影也迎来了黄金时代，从讲求风格的类型片发展到了表达个性和思想的异色电影。比如罗曼?波兰斯基的《天师捉妖》(Dance of the Vampires)，创造性地把吸血故事拍成了喜剧风格，充满了笨拙荒唐顽皮的味道。这个变化从片名就能看出来，它在美国上映时的名字直译过来就是“无惧的吸血鬼杀手”(The Fearless Vampire Killers)，发行DVD时还特别在片名后加了个注释：“抱歉打搅，不过你的牙好像咬进我脖子了”(The Fearless Vampire Killers or： Pardon Me， But Your Teeth Are in My Neck)。捉鬼教授和徒弟这对儿“无惧的吸血鬼杀手”在城堡里被吸血鬼追得像兔子一样奔逃的场面，成为了影片的高潮段落。
《吸血惊情四百年》剧照
安迪.沃霍尔的风格优柔、阴郁和隐秘，带着种精英知识分子的揶揄与冷静。1974年他的“工厂”出品的《安迪?沃霍尔的德库拉》(又名《魔鬼之血》)很能表现这个时代吸血鬼电影的特质：吸血鬼因为得不到处女之血而性命垂危，从罗马尼亚郊外跑到了意大利乡间，住到了有四个漂亮女儿的地主家里，没想到吸血鬼钟情的二女儿和三女儿其实早就和园丁私通，她们的血非但没能拯救吸血鬼，反而差点害死他。最后，吸血鬼虽然得到了大女儿的献身，却仍然死在了园丁的手下。在园丁和三女儿偷情的那一幕中，背后的墙壁上是刺眼的红色镰刀斧头标志，整部影片顿时都成了一个时代的隐喻：苏联的崛起带来了红色的威胁，德库拉伯爵代表的整个旧秩序被劳工阶级所颠覆……大概只有沃霍尔制作的吸血鬼电影，才会把思想表达得如此直白。
1979年，赫尔佐格翻拍了茂瑙的《诺斯费拉图》，也许是他拍得太好了，以至于接下来十年的吸血鬼电影都乏善可陈。直到1992年，大导演弗朗西斯.科波拉以前所未有的4000万美元预算(无论在当时还是在之前的吸血鬼电影史中，都算很高的了)拍出了《惊情四百年》，在全球共收获了两亿美元票房，堪称第一吸血鬼大片，接下去就是尼尔.乔丹1994年导演的《夜访吸血鬼》。这两部作品的成功之处，都在于没有把吸血鬼电影当作纯粹的类型片处理，而是以更艺术手法来表现，吸血鬼都不再是某种性和政治的恐惧符号，而是充满内心痛苦、挣扎的特别的人。
出人意料的是，吸血鬼电影再2000年之后完全走向了商业化，从著名的《刀锋战士》、《黑夜传说》到《吸血莱恩》系列，几乎都是华丽动作风格。但这些新世纪“最成功”的吸血鬼影片投资中等(一般也在4000到8000万之间)，票房平平(也就在5000到8000万之间)，看似越拍越多，却始终被定位在B级恐怖动作片。今年的《黑夜传说3》就被安排在2月，一看便知不过是用来填补档期的货色，承载不了电影公司大卖的厚望。但《暮光之城》改变了这种状况，仅仅3700万的投资，却在全球横扫了三亿美元票房！首周末三天上映即拿下了7000多万美元的成绩，让制片方顶峰公司乐开了花，当即拍板给续集亮绿灯。
《暮光之城》不仅仅是史上最赚钱的吸血鬼电影，更会改变吸血鬼电影的身份与定位。《刀锋战士》、《黑夜传说》的观众群显然以年轻男性为主，而《暮光之城》却把全美国的青少年女性都拉进了影院——男主角还没出场，满场的女中学生已经一片尖叫了。刻薄点说，吸血鬼电影终于从男性意淫的对象进化为女性意淫的对象。
异色、文艺、动作、青春偶像，吸血鬼电影一路发展来，看似有望跳出B级片的局限，说不定又会落入鸡仔电影(chick flick)的圈套。说什么青春不死，说什么魅惑之美，骨子里决定电影走向的仍然是影片背后的经济利益和时代风气。经济衰退期往往正是耽美流行之时，吸血鬼电影没准也是救市的一条出路呢。
 《真爱如血》海报
鬼玩人——吸血鬼如何在现代社会生存
早年间的吸血鬼一般都住在荒郊古堡之中，与世隔绝，单等猎人自己送上门来，影片里往往透着血族的孤寂与超脱。但到了今天，到处都是鹰眼系统，卫星能把你阅读的报纸标题都窥视个清清楚楚，特兰西瓦尼亚那地方也不会比纳尼亚更隔绝更难找。所以，影视中的吸血鬼们纷纷发扬与时俱进的精神，想尽办法在人类社会中生活下去。
《夜访吸血鬼》就借一位“退休”吸血鬼之口，讲述了吸血鬼们如何在古代时候滋润地活着，你可以扮作贵族，随意在各地漫游；现代社会呢？有人说，科学的发展毁掉了神秘。在这个没有了神秘的世界里，吸血鬼们也变成了需要努力谋生的凡人。
《血色月光》里的吸血鬼基本可以和人和平共处，像其中的约瑟夫，在家里上上网、炒炒股，和人类做些买卖，凭借其天赋异禀在商业上大获成功，过着都市钻石王老五的生活。他总嘲笑迈克不够现代。最有意思的是，在这部剧中，吸血鬼们就像是某种特殊群体--嗯，让你联想到在美国富裕的亚裔人群，他们很低调，互相之间保持着同族的友好。吸血鬼们甚至还专门有支干脏活儿的队伍，负责处理各种吸血鬼暴露身份引发的问题，清理现场，消除痕迹，堪比人类中的特工组织！
《真爱如血》海报
《真爱如血》的设定更绝：那是一个吸血鬼公开和人类混居的社会，他们就像是少数族裔，有自己的政客、报纸和电视主持人，也要求民主权利。大部分吸血鬼本分生活，与人类和平共处--为了解决吸血问题，有人特别开发了名为“真血”的人造血；但也有一些激进的吸血鬼认为，和人类妥协是一种屈辱和倒退，一部分人类也以抨击、歧视吸血鬼为己任，双方冲突不断。在剧中，有些吸血鬼会豢养一些心甘情愿奉献的人类作为自己的血源(即“Herd”)，双方寄生式的生活状态也许会让你联想到近几年关于斯德哥尔摩综合症的报道。更有趣的是，大部分吸血鬼不吸人血了，人类反而要吸起吸血鬼的血来，因为他们的血能让人精力大增，性能力超强——这可真是太讽刺了。《真爱如血》如果能在现代社会的寓言性上多做些文章，那就更有意思了，可惜现在重点仍然是男吸血鬼与女人类的感情，未免落了俗套。
想要融入人类社会，那就不可避免会染上人类的毛病，这不，《吸血鬼匿名俱乐部》(Vampires Anonymous)就讲述了一位当代吸血鬼如何进行心理治疗的过程。这位吸血鬼老兄总因为把女友当食物这事儿充满了心理负疚感，于是拨通热线求助，找到了一个类似戒酒互助会式的VA协会(匿名戒酒俱乐部就叫AA)，试图通过12个步骤戒除掉吸血这坏毛病，这个VA从第一步“承认自己有问题”开始，到提供羊血这样的解决方案，花样百出，却还是难解心病，后来还是把女友变成吸血鬼，才皆大欢喜。
反正现在的电影中，吸血鬼已经不再是那个有着浓重东欧口音的高大苍白的贵族男子形象了，他们的混乱、癫狂、瘾欲、挣扎，无不折射着当代人的内心世界。从这点上说，尼古拉斯.凯奇主演的《吸血鬼之吻》(Vampire's Kiss)倒是最能得其三昧：主角一直以为自己变成了吸血鬼，他去商店买獠牙，把沙发倒过来当棺材，还真的去咬人，然而一切不过都是他偏执的想象而已。
《血色月光》剧照
捉鬼敢死队——如何杀死一个吸血鬼
说吸血鬼是不死族，其实还是会被消灭的。在干掉吸血鬼这事上，古代人显然比现代人有优势：那时候的吸血鬼大概还没有完全进化，对圣水、十字架、桃木棒(哦，错了，那是桃木剑，道士用的，只要是木头的就好)、阳光、银饰、大蒜等都没有抵抗力。随着科技昌明，吸血鬼们的DNA(如果他们有这玩意儿的话)似乎也经过了改造，越来越难被杀死了。
《杀出个黎明》的后半部分基本就是本《吸血鬼屠杀大全》，在那位牧师老爸的带领下，人类发扬了团结互助精神，用藏在裆部的手枪、摆成十字形的木棍、弓箭等各种武器把整个吸血鬼巢穴夷平。而在约翰？卡朋特的《V字特工队》里，你用轻型武器就能很容易干掉那些吸血鬼，与其说这是人鬼之战，倒不如说它更像黑帮火拼呢。
《黑夜传说》剧照
但对其他的吸血鬼电影来说，这些老套的东西就未必管用了。比如《血色月光》里的吸血鬼喜欢睡在冰柜里，不怕大蒜和短时间的阳光照射；木棍插胸也只能暂时令他们无法动弹，必须要砍掉脑袋才能真正杀死它们。《真爱如血》里的吸血鬼同样不怕日光，更不怕木棍，但却很怕银器，一条银链子就会让他们束手就擒。不过在这两部电视剧里，人类已经不是吸血鬼的天敌了，反而是吸血鬼的内部残杀。这类角色中最著名的当属《刀锋战士》的主人公“日行者”，他流着半人类半吸血鬼的血，因为对出身感到耻辱，于是对所有吸血鬼都大开杀。而“日行着”恰恰由黑人扮演，这个关于种族出身的主题就很有现实意味了。
1998年的《现代吸血鬼》(Modern Vampires)同样涉及到了黑人吸血鬼的问题：吸血鬼的老大德库拉要消灭黑人吸血鬼，结果却被人家小混混吸血鬼抢先给灭了。难怪有人说，吸血鬼根本就是个WASP(White Anglo-Saxon Protestant，白种盎格鲁萨克森新教徒)幻想出的精英形象呢。有部专门写黑人吸血鬼的电影，还特别起名“黑库拉”(Blacula)，来讽刺这种观念。所以，从这某种意义上说，新版《我是传奇》找了黑人威尔？史密斯来做地球上最后一个男人，并拍了一个人类与吸血鬼最终和平共存的另类版结局，也算是种突破了——再看看《黑夜传说》中狼人与吸血鬼的千年混战，直至最终狼人罗密欧与吸血鬼朱丽叶融为一体，进化成了新新人类(其实是新新怪物！)；还有最近《暮光之城》中人类与吸血鬼和睦共处的情形，你会发现，银幕上似乎已经很久不搞人类消灭吸血鬼这套了——这难道也是当今社会种族问题的某种映射或缩影么？
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好东西是要拿来分享的
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[风声]：风清月皎|声销迹灭
《北齐书•魏收传》有云，“其舒也济世成务，其卷也声销迹灭。”若吊诡《风声》，可谓比肩齐声。其，“济世成务”也好，“声销迹灭”也罢，风鬟雨鬓于叙事结构上的谍影重重与人物塑造上的吾党No.1——死也要完成党交给的任务。
顺风
相比那些颇具卖弄嫌疑的长镜头(介绍人物出场)与广角镜头(凸显人物陷入困境)，《风声》的电影音响效果声与剪辑的应用，绝对一流，是谓顺风。影片屡屡通过加强画内现实音响的效果音，传达一种摄人心魄的现场感。那一扇扇被关上的大门，仿佛画面的匹配剪辑(match cut)，决绝了《风声》的封闭式叙事策略。譬如：李冰冰饰演的李宁玉，在进入刑房的那一刹那，风声四起(仰拍)。此刻，学术意义上的剧情声音(diegetic sound)与非剧情声音(non-diegetic sound)，得到了影像最为完美的抒映。那呼啸而过的风声，是大自然的现实音响也是人物内心的超现实音响。此“风声”，嵌套地表达出了李宁玉内心的飘忽不定，以及《风声》意欲表达却最终慌腔走板的影像主题：个人自我命运的反思。见后文。
再看剪辑，分割银幕、划、组合剪辑、平行剪辑、溶镜，《风声》处处张扬了“蒙太奇”在法语中的原意——装配。宛如那坐伫立在刑房中的骷髅骨，剪辑装配出了整部电影的骨架。譬如：周迅的出场。在前一个场面调度(介绍各色人物出场的运动长镜头)之后，周迅的登场是一组组合剪辑(甚至出现跳切)，前者的常态与后者的非常态，人物的潜在张力与一静(李宁玉)一动(顾晓梦)的性格反差，跃然银幕。耀眼的是，除了用过曝来升华顾晓梦的死，《风声》唯一一次出现的闪回镜头，精彩至极。李宁玉站在台下面，看着心爱的男人表演话剧。这一人物的内心镜头，不正是《色|戒》里王佳芝的那个轻轻回头，邝裕民喊道，“王佳芝，上来啊！”呦呦呦，说远了……
从一上来的航拍，到最后的正反对打。整体而言，《风声》动用了繁花似锦的镜位与运动。不过，有两个接连出现的俯拍镜头，叫人印象深刻。其一，顾晓梦一伙人上楼进入各自的房间；其二，一架钢琴被下人抬到屋内。随后，镜头切入顾晓梦与李宁玉，背景声里用的正是点滴的钢琴声(无源音响)。两人之间，姐妹情也好、宿命论也罢，淋漓尽致。再有，《风声》竟然出来了0.01秒的“三角构图”。这种杜琪峰偏好的人物走位，《风声》用李宁玉(无辜者)、吴志国(正戏主谋)、武田(反戏主谋)，错身的一刹那，定格三方角力，可谓高明。（《建国大业》里的“闻一多”、《风声》里的“六爷”，刻骨铭心。正常发挥的王志文，在对吴志国行刑的那场戏，完全落在了吴刚的下风。）
逆风
整体而言，《风声》形式上的精致，美工上的华丽、剧本上的考究，都是值得表扬的。但是，内里的核心却依然是红艳艳的主旋律。一如，血染了密电的烈士鲜血。不好悬疑、不好恐怖的朋友，绝对有理由将《风声》降格为“绣花枕头一包草”，是谓逆风。
细看的话，我们可以从顾晓梦与李宁玉的身上看到“反思性”的早泄特质。诚如上文提到的，李宁玉在进入刑房之间的风声。李宁玉作为一个无辜的，被牵连进迷局的女性来说，她的戏应当是最具反思性的。可惜，她的“献身”与她的“哭嚎”，最终都变成了慌腔走板的“疯癫”与“侥幸心理”。作为一个视爱情为一切的女子，他在被武田“测量身体”之后，竟然只是疯癫癫地砸盘子、发脾气。更可怕的是，她因为有了吴志国的书面证词，庆幸自己被他们赏了一口饭吃。李冰冰前半段积累起来的狠劲，一泄千里。
相对而言，顾晓梦的“反思性”出现在最后她与武田的交易。是交代？还是与父母共赴黄泉？可悲的是，顾晓梦使出了一招缓兵之计，既解了自己的围又保全了父母性命。谁都知道，顾晓梦最后的交代，完全就是废话。反角对主角拖拖拉拉的逼供，实在感叹周立波同志的创作才华呀。这，才叫模子。顾晓梦，只是用自己的死升华了那所谓的党性(提拉至全景的摇镜)，却降格了切实的人性。
证据确凿的是，《风声》通过“老鬼”与“老枪”的视死如归，表现了一种“其舒也济世成务”的大无畏精神。他们，“舒”坦着身体，离开了那个封闭性的空间。反观，他们陷身囹圄的时候，都是声销迹灭地“卷”起来的。是的！“大无畏”，三个屡见不鲜于小学课本中的单词组合，彻底地投诚了主旋律影片的终极窠臼：死也要完成党交给的任务。《风声》在用软暴力和想象暴力，突破审查制度的同时，却疲软了那根最敏感的神经，最终还是未能硬起来。（从第一分钟开始，只要“乖乖虎”一出场，必定引得影院内一片此起彼伏。观影《风声》，到变成了聆听“唏嘘”了，好玩。）
题外话
哪天我们的主旋律电影可以出现：有“三部曲”设问自我身份的高级特工、因琴技走向犹太逃难者的高级军官、紧要关头心下轰然说出“快走”的女地下党、等等，或许……。既然我党有勇气揪出家产万贯的贪官污吏，为什么就不能在角色塑造上也同样还原人性呢？要么死时刀枪不入以一敌百，要么死时遗交入党申请书，要么死时高喊万岁……再这样下去，主旋律是真要死的，再怎么组织同志集体观摩，也是虚胖票房，挥霍青春。江山如此多娇，何必抱着“高、大、全”苦苦留恋？顾晓梦的死、吴志国的九死一生(讽刺的是，戏里已经自我反讽，他不是凡人)，相比王佳芝死时的如临深渊，观众是懂得的。
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《斗牛》
导演：管虎
演员：黄渤，闫妮 等
管虎说，我今天不管虎，也不管民工，我管牛。于是，管狼的田壮壮失守了威尼斯，而管牛的管虎倒是漂亮地在水城火了一把。——陸支羽
毋庸置疑的，这是我年内看过的最好的国产电影，是为“小格局大思考”的发力之作。在一系列虚大的所谓大片面前，管虎借《斗牛》的哞声，写意地昭示了自己的诚意。而纵观《斗牛》全片，苍劲有力，撼动人心，虽为喜剧，却有着“笑中带泪”的质地，一如徐老怪所言的“哀恸的喜感”。同以“村庄”为外部空间的架设，《斗牛》的气场却是《举起手来》之类“以民族情绪独揽大局”的电影所无法比拟的。而黄渤也借此片之力奉献了一场完整的个人秀。比之于若干年前凭本色诠释拿到“威尼斯影帝”的夏雨，黄渤的表演显然更彰显出一个优秀演员的素养，不乏努力而又灵气十足。
我绝然无法理解的是，为什么那么多人视《斗牛》为纯粹的喜剧，亦同样视黄渤为纯粹的喜剧演员？甚而有人拿其与杨庆的《夜·店》做比，还引申到什么开拓国产喜剧片领域的高度。这个说法真是汗涔涔地让人觉得害怕，就跟当初有人拿伍仕贤的《独自等待》与冯小刚的众贺岁片相对照一样，还索性津津乐道于“冯XX第二”的说法。于此，我注定做不了气喘吁吁的速食主义者，对于这般牵强附会的所谓年度盘点，亦唯有汗颜的份。是为序。
《斗牛》是一部由大量细节构筑而成的好电影，透露于其中的苍凉的气质一如大西北的坚实的黄土地。而牛二身上的泥土气更是渗透于唇齿之间。影片伊始处，管虎即以几个速描的特写镜头，出色地勾勒出了牛二的牛痞形象，一种低于尘土的悍劲力透纸背冲撞而出，不卑微，不凡俗，一如刘亮程在《一个人的村庄》中写过的“鸡零狗碎”，甘与现实为伍，却又一次次陷入沉甸甸的梦。而牛二牵着奶牛来来回回于悬崖边游走的几个桥段，又兀自传递出一股微渺而宏大的气场，我义其为“在边缘中寻找恒远的宁静”。义其“边缘”，是契合牛二“前不见古人，后不见来者”的乱世求生的残酷处境；义其“恒远”，是契合如牛二般的牛人们不屈不挠的“硬脾气”；义其“宁静”，则是一种安乐的宿愿。于是，一人一牛，像两枚不服软的“硬骨头”，开始了它们的“田园牧歌”。念及余华《活着》的结尾，一如看见深入黑暗中的光亮。极言“人是为了活着本身而活着”，想必便是如此这般的命数。
村庄
影片中的“村庄”意象是颇具玄机的，它该与村边“崖壁”的旷远放达之景对应着来分析。“村庄”通过狭小的过廊与逼仄的地下暗道来体现其空间的禁闭感。当所有的村民葬身村边废墟般的坟场后，牛二和奶牛即成了村中这一切的主宰。然而，鬼子与邻村饥民的“入侵”使得牛二成了至为窝囊的主人，他唯能穿梭于枯井和狭小的地下通道之间，玩一场杀与被杀的“躲猫猫”游戏。所幸的是，每一场游戏，他都是唯一的幸存者，当然，还有他那头命贱的奶牛。
细想来，“村庄”的存在给予牛二的是一种难能可贵的归属感，这种归属感是气定神闲的，而不是如鬼子般抱着剿杀八路的心态，抑或如邻村饥民般一味抱着求食的焦渴。
当然，不可否认的是，管虎对于“村庄”意象的把握比之于《黄土地》中的大西北荒村，还略欠些火候。管虎还是太过用功于故事层面的表述，而没有陈凯歌那般融活意象本身并化其为精神动力的仿大师之气。从这个层面想来，一心关注底层人生的管虎到底还是难成大师的。但于他而言，做做为民称道的“草根精英”又何乐而不为呢？换个角度想，倘若把镜头的笔墨过分用力于意象本身，或许反倒会紊乱故事的节奏也说不定。
奶牛
影片中的“奶牛”令我想及伊朗电影《母牛》，另外还有一部格调迷人的俄罗斯逐帧油画短片，也叫《母牛》。而《斗牛》中牛二与奶牛之间的微妙关系，又颇有着法国导演Lamorisse短片《红气球》及《白鬃野马》的气质。唯一不同的是，后者都是拿孩子与物件之间的“友情”做文章，而《斗牛》中，牛二与奶牛的关系则略显暧昧和隐晦。在村民们都还活着时，那头奶牛被叫做“八路牛”；而当只剩下牛二一个人时，他对奶牛的叫唤开始呈现出另一种色温。影片中，牛二几次呼唤他心爱的“九儿”姑娘，回应他的却至终都唯有那头奶牛的鼻息与舔舐，而那一句“和九儿一个脾气”，则几度把九儿与奶牛的形象在精神内质上达成统一。而另一个关于“娘”的称呼在影片中的情节暗合主要是关于“挤奶赈灾”那个段落，从牛二振振有词的话语中，牛的哺乳与“你娘”对“你”的哺乳亦成为一种隐喻式的吻合。
至于对奶牛人性化一面的处理，在我以为，不好批判其优劣，就如特吕弗就曾批判过《红气球》，称其“没有真正的诗意、幻想、感性或真实”，责其不过是一部Lamorisse的方程式电影；但与此同时，它又无可辩驳地成为普遍意义上的新经典。《斗牛》中对奶牛的人性化处理其实同样是Lamorisse式的，包括奶牛的那枚眼泪（出现在牛二被炸晕后），都彰显出一股虚构的力量。这种力量在普通观众眼里或而会显露出脉脉温情，而在有些评论家眼里，却兀自变成一种矫饰的臆想。
银镯子
影片中最早出现于牛二手中的“银镯子”，是为牵系起牛二、牛二他娘和九儿姑娘三个人命运的关键意象。于牛二而言，“银镯子”是祖传的宝贝；于九儿姑娘而言，“银镯子”则成了牛二许诺给自己的定情信物。“银镯子”的介入使得本片的爱情副线彰显出更为丰满的棱角。人说闫妮的表演“四两拨千斤”，亦可谓是惊鸿一瞥，且又恰如其分地夯实了男主角牛二的整体形象架构。通过拒送银镯子、摸八路牛的奶子、发现尸骸中戴着银镯子的手等一系列细节化的事件，极为巧妙而简洁地提点出了牛二与九儿之间纯朴的乡村情愫。
蛐蛐
“蛐蛐”意象的出现始于某日本皇军的那一句“玩物丧国”，我亦兀自想及意大利导演贝纳托鲁奇的《末代皇帝》，那被溥仪藏于宝座底下的“蛐蛐”，像一个末世的玩笑。而在《斗牛》中，管虎对于“蛐蛐”意象的运用则要气定神闲得多。在我以为，这亦是除却“村庄”与“奶牛”这些牵系大的主题的意象之外，管虎唯一不吝惜镜头的一个意象。它几度出现在不经意的画面中，在我以为是有意可寻的。
念及牛二与奶牛这俩“牛”的打不烂的贱命，长期养尊处优于囊罐之中的“蛐蛐”，其实何尝不是村庄中寥寥可数的幸存者之一呢？管虎真是善于“从细微处见真章”，“蛐蛐”意象的引入，一如从最微不足道的命数中寻见了生与死的真理，管虎借“以小见大”之意着实有力的自省了一番。
PS：《斗牛》亦有些许“欠火候”之处，首先，其整个故事的架构还不够圆润，且在剪辑上，现实与回忆桥段间的转换有点“形散”，调侃点说，就跟“打游击”似的，这头打烦了，再换一头，那头打厌了，又转回来。
在我以为，管虎把段落间的过场处理成纪录片式的长时间黑幕亦有着“打游击”的嫌疑。不过看至后半部分，我兀自又觉得这样的“游击战”确乎打得有道理。现实与回忆的轮转中到底有太多难以弥合的漏洞与伤口，于是，他宁愿用黑幕来缔造一种力道十足的粗砺感。除却部分转换有点令人费解外，影片在整体气韵上的把握确是到了家的。细想来，管虎实在是走了一条契合全片气场的好捷径。
一.“烂片中的战斗机”《大内密探灵灵狗》
我称这部电影为“烂片中的战斗机”是有充分理由的。有的电影是本想拍好，但却拍烂了，例如《十面埋伏》《夜宴》《无极》等等都算得上，这些片子的导演陈凯歌冯小刚张艺谋，他们都很想用心的去讲一个故事，想通过主角的生死与命运来让观众思考，纵使结果非常糟糕，但这绝对不是导演的初衷，所以这类电影我觉得是“好片里的烂片”。但有的电影，导演就是冲着拍一部敷衍了事的烂片去的，而《大内密探灵灵狗》就是这样的电影，所以我叫它“烂片中的烂片”，哦，不“烂片中的战斗机”。
我不清楚有多少人走进影院看了《大内密探零零狗》出来骂娘，跟我同看了有10来个7、8岁的小孩，他们笑得前仰后合，无忧无虑，但跟我一起看的成年人有很多出来之后都说“太垃圾了，怎么能烂成这样”诸如此类的话。看影片里某些所谓笑料的时候我真的是用手把脸掩住的，因为我自己都替导演难为情，居然能够这么拍片，我看都不好意思看，王晶居然好意思拍出来，还堂而皇之的在电影院公映！这种情形我已经很久没在电影院搞过了，还好还好，我这次难得的一个人去看这部电影，因为我告诉我的所有朋友这片最好别看，如果真的想看，请先让我以身试毒。说这句话的时候我一脸的大义秉然，因为如今这年头，想当个英雄真的太难了，从这个方面来说，我要感谢王晶给我这样一次机会。
首先我必须要问大家，看过周星驰主演的《大内密探零零发》吗？如果没有看过请立刻关掉我的文章页面，看过的话请回忆一下这部电影。王晶是当今世界上拿来主义做得最毫不知廉耻的人，前几年鼓捣了《美女食神》，全盘照抄《食神》，这次《大内密探零零狗》，继续全盘照抄《大内密探零零发》，连名字都懒得换。人家是恭喜发财四大密探，我们就搞12生肖，人家是外星人加西域美女，我们就搞四大国王子来选驸马，反正都是奔着刺杀皇上去的；人家有李若彤男扮女装女扮男装，我们也让刘洋这么搞一次；人家有个武功高强的老婆刘嘉玲，我们就搞武功一样不赖的大S……反正就是抄嘛，王晶已经根本不在乎谁会骂他不止廉耻了，因为他已经公开说过，只把电影当成商品，能卖钱就行了，管你观众看了骂不骂，还会不会支持下一部呢？
说好听点，这部《大内密探零零狗》是在致敬，是在模仿。整部电影讲述的是一位喜欢发明研究的大内密探古天乐，如何保护皇上不被刺客刺杀，如何又与未婚妻大S搞来搞去的一个故事。基本上本片毫无剧情可言，在周星驰原版---我觉得周星驰那部真的称得上“原版”二字--的故事里，零零发这个角色不得志，有损友佛印，还有着与老婆刘嘉玲那种微妙的相濡以沫关系，这些东西在《大内密探零零狗》这个翻版里荡然无存，灵灵狗很得志，每次都是他拯救全人类，大家都叫好；没什么损友，只有一个看起来智商不怎么高，喜欢发花痴，还喜欢整天叫古天乐“哥”的佟大为。跟大S的关系也纯粹成了闹剧，“老公饿了没，要不要给你煮碗面？”这样韵味悠长的对白没有了，剩下的就是你强暴我我强暴你之类的低级笑料。这部翻版就像一个恶劣的地下工厂，把一个画质音质非常好的DVD给翻成了枪版一样的DVD。我觉得以后应该立法，追究这种恶劣的翻版行为，本片的票房应该9成充公给《大内密探零零发》的编剧，特别是谷德昭应该分个大头。此外本片里生硬加进的那些脑筋急转弯更是令人发指的恶劣拖延时间，比起《大内密探零零发》里最后的颁奖典礼段落，简直不能用天壤之别、高下立判等形容词来形容了，我觉得以后有必要为这种低劣的模仿单独开辟一个新词。
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二. What is UP? 《UP》（《飞屋环游记》）
两篇文章都素转帖
①作者RVL
ChapterⅠ 我的信仰&梦想
我的信仰
——席慕容
我相信 爱的本质一如
生命的单纯与温柔
我相信 所有的
光与影的反射和相投
我相信 满树的花朵
只源于冰雪中的一粒种子
我相信 三百篇诗
反复述说着的 也就只是
年少时没能说出的
那一个字
故事的起因：一位被大众误解固执的重新踏上征途誓言证明给所有人看的冒险家，一对怀有共同冒险梦想并拥有共同偶像的小孩子，一个共同的梦想之地——Paradise Fall，一本小女孩的我的《冒险日志》，一句“Cross your heart”，以及“I Like You”……
如果你相信“南美其实也是美国，只不过它在南边”，抑或相信我的气球可以带你飞翔到任何你想去的地方，那么好吧，就启程吧…向着我们的梦想，就像我们梦想的那样。
“那一天我二十二岁,在我一生的黄金时代。我有好多奢望。我想爱，想吃，还想在一瞬间变成天上半明半暗的云...”
ChapterⅡ 两个世界
Scene 1 这是我看过所有电影中的最美丽的4分钟…
背景音乐：《Married Life Michael》
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长度：6分58秒—11分00秒
跨度：30年？40年？从婚礼上亲友们的掌声开始到最后一个音符落下时卡尔已经78岁了…
内容：
我把我们的房子粉刷成我们都喜爱的样子，像那个在南方的美国，信箱上拥有我们的名字“Carl & Ellie”。虽然我不常锻炼爬山的脚步还不如一位女士，但我真的喜欢我们一起躺在山顶的草坪，云朵会变成所有一切一切的样子…
我知道生活不是很完美 即使全天空的云朵都是我们的孩子也无法使我们拥有自己的小孩，然后更加珍惜彼此。
两张椅子靠在一起，无论读书，看云，牵着你的手，就是我的全部
每天，你都帮我打领带。日子一天天过去，领带一条条变换，日子如水般逝去，我在动物园门外卖气球，你在动物园里训练南美洲的美丽鸟儿。这一切不也是那么的美好。
终于，有一天，你生病了，当我看到自己刚刚用我们一分分积攒的硬币买来的两张south America的机票时，忽然意识到这也许是两个人永远无法一起的旅程…
知道吗？Ellie…这布满花园的教堂里，如今只剩下我一个人…
ChapterⅢ 起飞吧，冒险——Paradise Fall
这里本应是故事的主体内容，在Ellie离去后，固执的Carl依旧守护着他们的小屋，无论周围高楼林立…小屋已然成为了Ellie的化身…Carl会对着屋子说话，用Ellie的名字…他不再卖气球后就把它们积攒了起来...Carl的坚持与固执让我想到了摩羯座…
于是，有一天，在人们要把他送到养老院的那天，在那个名叫Russell胖的没有脖子，戴着红领巾的亚裔（这明明就是中国小男孩的典型形象咯）小男孩敲过门的第二天…Carl充满了所有的气球，起飞了…去完成他们未完成的，向着梦想之地——Paradise Fall…“我要把房子建在天堂瀑布旁边”Ellie小时候的话语依旧回荡在耳边…
当然，卡尔不是一个人…他不是一个人…Russell也在，他们到达了南美，发现了天堂瀑布，认识了奇奇怪怪喜欢吃巧克力的鸟，和一条会说话的狗。对了，还有必不可少的反派角色们....你知道，当最大的反派就是自己的偶像，这又让人感受到了梦想与现实的鸿沟有时候是多么深不可测，那距离是多么遥不可及。
冒险很精彩，结局很美好。
ChapterⅣ Thanks for the adventures…相守
“Carl独自拖着渐行渐沉的屋子一步一步最终到达瀑布边的那一刻被处理得异常平淡，丝毫不见Disney惯用的个人英雄主义式渲染。他的脸上见不到梦想实现的欣喜，除了疲惫外似乎还有些怅然若失。他走进这座飞过了半个地球终于安然落地的房子，迎接他的是一屋狼藉。老人扶起夫妻俩曾经并排而坐的沙发，坐在自己的位子上，窗外就是梦寐以求的瀑布美景。一切就这么结束了？可为何目的地已到，而心结却好像仍未解开？Carl找出Ellie小时候珍爱的那本"My Adventure Book"，过了一辈子的时间，这本探险日志终于来到了它本该来的地方，可日志的主人却已不在。 老人的手抚过日志的一页页，最终停在写着“Things I am going to do”的那页。那是儿时Ellie的稚嫩笔迹，那时帅气如假小子的她曾扬言要将余下的日志全用来记录在南美的探险奇遇。 Carl抚过那行字的手似乎透着愧疚，也许就是因为与自己在生活的琐碎中蹉跎一生，才使得这本日志的后半永远无法被填满吧。而之后Carl所翻见的，却出乎他也出乎了我的意料。原来这本日志的后半并非空白，而是被Ellie贴上了一页页的照片。当这些电影最开头出现过的生活片段以一个个凝固的瞬间重现时，我再次像傻瓜一样流泪到不能自已。而这次，我并非唏嘘两人天人永隔，而是被Ellie那份深沉的爱所打动。在最后的照片上，已经成为老奶奶的Ellie坐在窗边，屋外的暖阳在她的侧脸上投下柔和的光影。我在想，爱上一个人究竟有怎样强大的力量，能让曾经那个留着爆炸头，大大咧咧，一刻不安生的假小子成为现在这个容颜安详平和，满脸洋溢着幸福和满足的老人。其实她早就悟出来了吧：如果说去旅行去冒险是为了遇见不曾见过的美妙景色，经历不曾想过的充实人生， 那么与你的相遇相守就是我能想到的最华丽的冒险。 也许正是因为如此，她才能在日志的最后一页留下那句 <Thanks for the adventures.>”
——by Mia
感谢能够经历与你相守在一起一辈子，这个世界上最华丽的冒险。
Epilogue Up
祈祷词
——席慕容
我知道这世界不是绝对的好
我也知道它有离别 有衰老
然而我只有一次的机会
上主啊 请俯听我的祈祷
请给我一个长长的夏季
给我一段无瑕的回忆
给我一颗温柔的心
给我一份洁白的恋情
我只能来这世上一次 所以
请再给我一个美丽的名字
好让他能在夜里低唤我
在奔驰的岁月里
永远记得我们曾经相爱的事……
故事就这样结束了…
你说升起的是梦想，我看到了现实的陨落
你说升起的是爱情，我看到了相守的美丽
你说升起的是冒险，我看到了平凡的意境
你说升起的是年轻，我看到了岁月的沉积
你说升起的究竟是什么呢…….
Up……
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②
《三联生活周刊》作者 陈赛
在Pixar，我们总是试图谈论和接触一个熟悉的、 平常的世界，但以一种不同寻常得从未被人体验过的方式。这也是我们在《飞屋环游记》中希望得到的。——皮特 道格特
失去生命中最重要的人之后，人很容易把自己封闭起来，沉溺在悲伤中，眼中看不到别的人，别的事，无法感知生活中美的一面，亦看不到生命新的可能性。对很多成年人来说，这是一种普遍的经验，有人能走出来，有人不能。
把这样的情感经验放到动画片里来处理，是一件很冒险的事情，但Pixar一向喜欢做这样的事情。《飞屋环游记》讲的就是一个孤独的人如何走出封闭的内心，重新与外面的世界建立联系。
《飞屋环游记》是Pixar的第10部电影，主角是78岁的孤僻老头卡尔，在妻子去世后，在上万只气球的牵引下，乘坐自己的小木屋，去进行一次与妻子生前约定多年的南美洲探险之旅。
Pixar一向以严肃的态度制造快乐。按宫崎骏的说法就是：人口较低（什么人都能看懂）而出口较高（有讨论的余地，有挖掘的价值）。他们的每部动画片都有一个复杂而普遍化的情感内核，处理的其实都是成年人的问题，但并不妨碍孩子们看的如痴如醉。《玩具总动员》是关于身份的冥想，而巴斯光年发现关于自己的真相时，所有成年人都感到了迷失，所有孩子都想立刻拥抱一个巴斯光年回家。《超人》谈的是天赋异禀不容于世的悲哀，《老鼠大厨》谈的是梦想，《瓦里》说的是孤独，这些孩子们未必懂得，但都能欣赏。
按照导演皮特 道格特（Pete Doctor）的说法，《飞屋环游记》是关于梦想，关于爱情，关于失去，以及失望中所隐藏的幸福的机会。
成千上万只气球拽着一间小木屋，飘飘荡荡，扶摇直上，是一个诗意而有趣的一项。它既是逃离，也是背负——气球是童年的符号，轻快、明亮、天真，小木屋却是卡尔与艾丽生活了一辈子的地方，承载了沉沉的岁月、记忆和伤悼，无论怎样轻快，总有种“载不动，许多愁”的味道。
这种矛盾正是《飞屋环游记》最触动人心的地方，也是最大的难题——如何在孩子没心没肺的欢乐与成年人永失我爱的伤痛中取得平衡？
皮特说，整部电影都起源于一个概念——逃离。他自己就是一个优点社交障碍的人，时常有自绝于人民的冲动，希望周围的世界完全消失，只剩自己一个人安静的思考。所以老卡尔想要逃离世界的欲望，很大一部分是源于他自己的内心，逃离混乱，逃离幽闭，逃离衰老，逃离伤痛，逃离难以忍受的孤独，逃离人生的一切羁绊与不如意。
对于观众来说，谁没有自己想要逃离的东西呢？因此，当小木屋拔地而起，在轻扬的曲调中，荡悠悠的飘过城市的上空，俯瞰大街、商店、橱窗……整个世界突然名来那个起来，每个人都感到了一种释放。卡尔仿佛重新活了过来，虽然他心中也许抱了赴死的决心。这是非常诗意的一个段落，尤其是正在玩耍的小女孩放下手中的玩具，蹦蹦跳跳的奔向飞屋，我真希望他们能载她而去。
这是Pixar第二部以人类为主角的片子。不过，角色的造型非常的漫画化，一方一圆两种基本视觉元素既是对比，也是平衡。老卡尔几乎就是方块组成的，好像随时可以被拆下来装到盒子里去，可见其循规蹈矩、生硬孤僻的性格特征。相比之下，他的妻子艾丽活泼天然、精力充沛，线条也圆润得多。小胖子罗素则基本上就是一个球形。
《飞屋环游记》的主创人员基本上都是Pixar的第一代动画师，可以想见其Pixar味道必然特别纯正。皮特从21岁开始为Pixar工作，至今已有20年，他导演的《怪物公司》在我看来是Pixar最好的作品，此外，他还参与了《玩具总动员》、《虫虫特工队》、《WALL-E》的编剧，据说巴斯光年基本上就是照着他自己的样子写的。
他是一个沉默寡言的人，喜欢独处，经常一个人跑去机场，找一个不显眼的角落坐下，戴一副墨镜，偷偷给来往的人画素描一画可以画一整天他的画风简单而富有诗意，就像美国著名漫画家阿尔 河西菲尔德(AL HIRSCHFELD),能在寥寥数笔中抓住一个人的灵魂。他认为，动画片也应该有这种“简化”和“浓缩”的力量，“动画能够捕捉生命，但它可以比生命更丰富，因为它如此纯粹，如此浓缩，就像餐馆里的浓缩调味酱”。
《飞屋环游记》开篇的一段蒙太奇就是最好的例子：童年卡尔初遇艾丽，共同抱着对未知世界的好奇心和探索欲，他们一起长大，相爱，结婚，慢慢变老，直到死亡将他们反而开。
短短4分钟半，就交代了一声。没有任何对话。只有惆怅的华尔兹曲调。时光优雅的滑过，他在动物园卖气球，她训练鸟儿，闲时安静的读书、散步、野餐打扫房间，一起看天空的流云。岁月的痕迹不在四季的变迁，而是她每天为他打的不同颜色、不同实验的领带。红颜弹指老，但一天天的售后和陪伴，简简单单，是你能在电影里看到的，最纯粹的一段爱情。
皮特很注重对色彩的把握，爱丽在场的时候，色彩的饱和度总是特别浓郁，洋红、青蓝活泼但不夸张，有一种丰富和成熟在里面。她去世后，画面顿时黯淡下来，屋内屋外都是寂寞的颜色，暗示卡尔失去了生存的目的。一个朋友在美国看这部片子，说看到坐在前排的白发老人悄悄落泪。
当然，也有人认为，这个段落过于煽情，是Pixar对于Disney的一种妥协。这恐怕是见人见智的问题。同样的电影，不同人看到不一样的东西。就像有人看到气球飞屋，第一个念头是没有物理上的可能性，用多少个气球真能让自己的屋子飞起来，而且网上还真有人考证说是2300万个。
皮特说，他把这部动画片看成是一个未完的爱情故事。知道旅程接近终点，卡尔看到艾丽在相册里给他留下的文字，这个爱情故事才算真正圆满。他以为，他们的一生在琐碎中消磨掉了，未能成行的探险是对艾丽的辜负，但对艾利来说，他们一生的相守，而不是天堂瀑布，才是人生真正意义上的冒险。原来，死亡不是爱的结束，而是爱的完成，这中间有极微妙的差别，否则老卡尔可能永远都无法走出执念，释放自己。
据一些官方资料说,《飞屋环游记》是Pixar向Disney黄金时代动画片的回归，比如上世纪40年代的《小飞象》，那时候的快乐特别单纯，想象力特别干净，但皮特认为，宫崎骏对他的影响更大一些。事实上，整个Pixar都是宫崎骏的“粉丝”。他们的每部片子里都有宫崎骏的影子，像《飞屋环游记》中探险家查尔斯乘坐的齐柏林飞艇，显然受到了《天空之城》的影响。只不过正邪两个老头对立太过分明，不像宫崎骏对待善恶的复杂态度，即使如《千与千寻》中的汤婆婆，看似是个坏人，背后也有辛酸的一面，决不至于将她置于死地。
皮特说,宫崎骏的真正魅力在于，对真实的瞬间的观察。“在美国做动画，总是神经紧张，不停的想下一步要发生什么了，什么地方该抖包袱了，一个情节接着一个情节，但宫崎骏所说的，是抓住一个个真实的瞬间，细致入微的观察。很多时候，什么都没有发生，只是在这一刻，这个小男孩在做什么，看雨水掉落的方式……仿佛雕刻在日常生活的呼吸之中，每个人都能识别，并激起情感上的反映。”
在《飞屋环游记》的结尾，小胖子罗素回忆，多年以前，父亲曾带他去吃冰淇淋，父亲最喜欢奶油味，他最喜欢巧克力味，他们会一起坐在路边，蜀国王的红色和黄色汽车。
“听起来有点无聊，”小胖子连带尴尬，“但我想，这些无聊的事情是我记得最清楚的。”
其实，《飞屋环游记》的好处也全在些不相干的地方。一老一小在天堂瀑布的种种冒险打闹，空中激战，异域风情的彩色大鸟，会说话的众狗狗，种种插科打诨处，都只是一笑而过，离开影院后，仍然留在记忆里的，是那两张靠在一起的旧椅子，邮箱上印着的两个手掌印，GrapeSoda的瓶盖勋章，老卡尔德手指轻轻滑过艾丽褪了色的相册，小木屋最终缓缓没入云海时老人复杂的眼神。
[ 此贴被？？？在2009-11-22 20:29重新编辑 ]
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Posted:2009-08-10 18:53| |
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